Delictum – Im Namen des Herrn

Originaltitel: No-Do (Spanien 2009)
Regie u. Drehbuch: Elio Quiroga
Kamera: Juan Carlos Gómez
Schnitt: Luis Sánchez-Gijón
Musik: Alfons Conde
Darsteller: Ana Torrent (Francesca), Francisco Boira (Pedro), Héctor Colomé (Pater Miguel), María Alfonsa Rosso (Blanca), Miriam Cepa (Rosa), Rocío Muñoz (Jean), Francisco Casares (Gabriel) uva.
Label/Vertrieb: Eurovideo Home Entertainment
Erscheinungsdatum: 03.12.2009 (Kauf-DVD)
EAN: 4009750243732 (Kauf-DVD)
Bildformat: 16 : 9 (2,35 : 1, anamorph)
Audio: Dolby Digital 5.1 (Deutsch), Dolby Digital 2.0 (Spanisch)
Untertitel: Deutsch
DVD-Typ: 1 x DVD-9 (Regionalcode: 2)
Länge: 94 min.
FSK: 16

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Das geschieht:

Obwohl zehn Jahre seit dem Unfalltod der Tochter Rosa vergangen sind, ist Ärztin Francesca psychisch weiterhin labil. Gatte Pedro schlägt vier Monate nach der Geburt eines gesunden Sohnes einen Neuanfang vor. Weitab der Stadt und deshalb fern aller Hektik mietet die Familie ein ehemaliges Schulhaus.

Zunächst lebt sich Francesca ein, obwohl sie Pedro weiterhin verschweigt, dass sie mit ihrer toten Tochter spricht, die der Mutter in Gestalt eines inzwischen zehnjährigen Mädchens erscheint. In der Nacht beginnt es im Haus umzugehen. Fußtrappeln, Gelächter und die Schatten dreier Kinder jagen Francesca Angst ein, während der wie ein Bär schlafende Pedro genretypisch das Getöse überhört und seine Frau in den Wahn zurücksinken sieht.

Ohne von diesen Ereignissen zu wissen, gerät an anderer Stätte der Jesuit Pater Miguel an Foto- und Filmdokumente, die auf das Wirken einer bösen Macht in dem alten Schulhaus hinweisen. Vor sechs Jahrzehnten hat sich hier eine von den kirchlichen Betreibern sorgfältig vertuschte Tragödie ereignet. Drei Schülerinnen, denen angeblich die Muttergottes erschien, und ein Kameramann, der dies für den staatlichen Filmdienst „No-Do“ dokumentieren sollte, verschwanden spurlos. Blanca, die Ehefrau des Kameramanns, fiel in ein Koma, aus dem sie erst jetzt erwacht. Sie wird von Erinnerungen und Visionen an die Ereignisse von 1947 gepeinigt.

Miguel, der im Auftrag des Vatikans angebliche Wundererscheinungen überprüft, erkennt die Gefahr, in der Pedro und seine Familie schweben. Die Kirche will sie ihrem Schicksal überlassen, denn sie hat sich damals die Hände nicht nur schmutzig, sondern auch blutig gemacht. Miguel stellt sich Pedro und Francesca zur Seite. Unterstützt von der verwirrten Blanca, beginnen sie das Geheimnis des Hauses zu lüften – und wecken damit dessen unheimlichen Bewohner …

Die Macht der Manipulation

Der dem nicht-spanischen Zuschauer rätselhafte Originaltitel „No-Do“ erinnert an ein ebenso ehrgeiziges wie düsteres Kapitel der iberischen Filmgeschichte. „No-Do“ ist die Abkürzung für „Noticiarios y Documentales“ und bezeichnet eine staatliche Einrichtung, die sich vorgeblich der Aufgabe widmete, historische aber auch alltägliche Ereignisse filmisch zu dokumentieren, aufzubereiten und wochenschauähnlich in die Kinos zu bringen. Sie wurde 1942 gegründet und bestand bis 1981, womit ihre Existenz zeitlich mit dem faschistischen Regime des „Caudillo“ („Führers“) Franco (1892-1975) korrespondierte. In der Tat war die „No-Do“ auch ein Instrument der staatlichen Propaganda. Das aufgezeichnete Material wurde systemkonform geschnitten und kommentiert, also im Dienst des Regimes verfälscht. (Wie dies perfektioniert wurde, zeigt uns Quiroga eindrucksvoll in einer dem Hauptfilm angehängten Coda; er präsentiert uns, die wir die dafür verwendeten Szenen aus ganz anderen Zusammenhängen kennen, einen entsprechend präparierten Film im „No-Do“-Stil.)

Elio Quiroga geht nur einen Schritt weiter, wenn er die „No-Do“ mit der katholischen Kirche Spaniens zusammenarbeiten lässt. Diese hatte bereits in der Vergangenheit im Namen der „Heiligen Inquisition“ schrecklich in Spanien gewütet und später keine Probleme damit, eng mit der Franco-Diktatur, die sie dafür mit Privilegien und Geld belohnte, zusammenzuarbeiten bzw. ihr zu Diensten zu sein.

Zumindest dieser Aspekt dürfte dem deutschen Zuschauer keine Verständnisprobleme bereiten. Dank Dan Brown & Co. ‚weiß‘ er, dass der Vatikan eine unheilige Brutstätte uralter Verschwörungen und Geheimbünde darstellt, mit deren Hilfe die katholische Kirche seit 2000 Jahren die ihr hörige Gläubigerschaft lenkt oder besser manipuliert, wobei sie vor keiner Untat zurückschreckt.

Mit lauwarmem Wasser zubereitet

Diese ‚Erkenntnis‘ kombiniert auch Elio Quiroga mit den meisten zum modernen Kirchen-Thriller gehörenden Klischees – eine erste Enttäuschung, der bald weitere folgen, beginnt „Delictum“ doch sehr vielversprechend, d. h. zurückhaltend und stimmungsvoll als mysteriöse Geistergeschichte im Stil von „El Espinazo del Diablo“ (2001, ‚dt.‘ „The Devil’s Backbone“) oder „El Orfanato“ (2007, dt. „Das Waisenhaus“). Leider gibt Quiroga diesen Weg erst nach und nach und dann vollständig auf. Statt eines modernen Phantastik-Klassikers des spanischen Kinos gelingt ihm ‚nur‘ ein spannender und handwerklich sauber inszenierter Gruselfilm.

Hat man sich damit abgefunden, fühlt man sich durchaus unterhalten. Obwohl die genannten Klischees existieren, drängen sie sich nicht so aufdringlich in den Vordergrund des Geschehens, wie dies in Hollywood geschehen wäre. Die durchweg guten Schauspieler geben ihrem Regisseur und Drehbuchautor stets Rückendeckung dort, wo es gilt, logische Löcher im Handlungsgewebe zu verdecken – und diese sind bei nüchterner Betrachtung nicht gerade zahlenarm! Eine kleine Auswahl gefällig?

- Ein fanatischer Bischof kehrt sechs Jahrzehnte lang wieder und wieder in das Geisterhaus zurück, wo er hartnäckig versucht, den Elementargeist zu bannen. Nie wurde ihm dabei dort ein Haar gekrümmt, wo Francesca und Pedro und schließlich Pater Miguel umgehend mit handfestem Gewaltspuk konfrontiert werden.

- Ist Rosas Geist ‚echt‘? Falls ja: Was geschieht mit ihr, als der Elementargeist sie übernimmt? Wieso gibt Francesca, die ihrer Tochter bisher noch jeden verwunschenen Winkel des Hauses folgte, um sie zu beschützen, Rosa im Finale abrupt und emotionslos auf?

- Was ist von der Effizienz einer kirchlichen Geheimorganisation zu halten, die ihre hochbrisanten Schätze in einem Archivraum lagert, dessen ‚Sicherheitsmaßnahmen‘ sich auf eine kümmerliche Tresortür beschränken? Die 1947 ihre Opfer nicht endgültig verschwinden lässt, sondern die Leichen ausgerechnet im Keller am Tatort ‚versteckt‘? Die ebenfalls 1947 die einzige Zeugin ihres unheiligen Tuns nicht durch Mord zum Schweigen bringt, sondern sie – im Koma liegend – 60 Jahre in einem Sanatorium pflegen = beaufsichtigen lässt, um sie 2007 und inzwischen aufgewacht einfach auf die Straße zu setzen, wo sie – welche Überraschung! – umgehend damit beschäftigt ist, das große Geheimnis aufzudecken?

Das unbarmherzig scharfe Auge

„Delictum“ versucht, ein großer Film trotz kleinen Budgets zu sein. Dieser Zwiespalt kann auch durch Ideenreichtum nicht vollständig geschlossen werden, weil Quiroga darauf besteht, seine Geister sehr deutlich spuken zu lassen. Trotz ihrer offensichtlichen, weil mehrfach drastisch unter Beweis gestellten Schlagkraft sollen sie zudem geisterhaft ätherisch wirken, was nur unter Einsatz von CGI-Technik zu bewerkstelligen ist.

Die galt einmal als Wunderinstrument, mit dessen Hilfe sich die tollsten Tricks quasi ohne Geld realisieren lassen sollten. Doch das uralte Auge ließ sich von der modernen Hightech buchstäblich nicht blenden; es vermag erstaunlich und für Effekttechniker frustrierend präzise zwischen Schein und Wirklichkeit zu differenzieren. Weiterhin muss viel Geld investiert werden, um beispielsweise ein Gespenst ‚real‘ wirken zu lassen.

Dies bestätigt sich stets dann, wenn genau dies nicht geschieht. Wenn es in der alten Schule spukt, dann sehen wir allzu eindeutig CGI-Schemen gaukeln. Sie zerstören in ihrer billigtechnisch bedingten Ungelenkheit die sorgfältig aufgebaute Stimmung. Im Überschwang der beschränkten Möglichkeiten lässt Quiroga Francesca sogar von einem aus Hand-, Bein- und Fußprothesen zusammengeklumpten Ungetüm knurrend über den Dachboden jagen – eine Szene, mit der er die Grenze zur Lächerlichkeit überschreitet; erfreulicherweise geht er nur einmal so und zu weit und überlässt Kameramann Juan Carlos Gómez das Feld, der mit Licht, Schatten und Farben Erstaunliches leistet. Schon in der DVD-Fassung ist „Delictum“ ein Fest für das Auge. Wie mag dieser Film erst auf der großen Leinwand wirken?

Schauspieler stellen Geschichten dar

Die Leistungen der Darsteller wurden bereits erwähnt, nun sollen sie spezifiziert werden. Zu loben ist vor allem Ana Torrent, die eben nicht das genreübliche wilde Muttertier mimt, sondern durch den Verlust ihres ersten Kindes so geprägt ist, dass sie es einerseits nicht aufgeben kann, während sie den neugeborenen Sohn in tausend Todesgefahren schweben sieht. Beides ist Einbildung, wird jedoch vom Zuschauer sofort verstanden und akzeptiert.

Francesca kann auch deshalb beim Zuschauer punkten, weil Ana Torrent, ihre Darstellerin, Angst und geistige Überforderung nie in Hysterie ausarten lässt. Quiroga treibt sie außerdem nicht in jene Sackgasse, in die der Horrorfilm oder der Psycho-Thriller Frauen in ihrer Situation gern geraten lässt: Nur sie nehmen die Manifestationen des Übernatürlichen wahr, während die Menschen um sie herum blind und taub bleiben, ob sich dies nun logisch aus dem Geschehen ergibt oder nicht; meist ist es nicht so.

Einmal gerät auch Quiroga in diese Falle, als er Pedro allzu offensichtlich in einen Tiefschlaf versetzt, der ihn dem Geisterspuk enthebt, der darüber hinaus exakt abbricht, als Francesco den schnarchenden Gatten endlich wachgerüttelt hat. Aber Pedro macht Boden wett, als er sich – etwa zur Filmmitte – davon überzeugen lässt, dass es in seinem Haus nicht mit rechten Dingen zugeht.

Freilich bleibt ihm dennoch nur die dritte Hauptrolle. An Francescas Seite tritt stattdessen Pater Miguel. Er hat eine handlungskompatible Vorgeschichte, die aus dem stramm vatikankonformen Jesuiten bereits einen heimlichen Zweifler werden ließ, bevor er beschließt, Francesca und Pedro nicht nur zu helfen, weil es seine christliche Pflicht ist, sondern auch, um ein früheres Einknicken im Interesse einer obskuren Kirchenpolitik zu sühnen. Diese nicht gerade innovativen Motive bilden das Fundament eines Finales, das wiederum klischeereich den üblichen Kampf mit dem endlich unverhüllt erscheinenden Monster zelebriert. Danach ist alles gut – für Quiroga, während der Zuschauer leise grollend zurückbleibt.

DVD-Features

Zum Hauptfilm gibt es keine Extras. Dabei wäre es hilfreich oder sogar erforderlich, auf jeden Fall aber interessant, über die (realen) „Noticiarios y Documentales“ in ihrem historischen Kontext zwischen Politik und Kirche informiert zu werden.

[md]

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Deutschland 2009
Sprache: Deutsch (Dolby Digital 2.0)
Bildseitenformat: 4:3 – 1.33:1
FSK: Ohne Altersbeschränkung
Studio: Universal/Music/DVD
Filmlänge: 50 Minuten
Erscheinungsdatum: 05/2010

www.willi-wills-wissen.de

Erneut ist Willi Weitzel (Jahrgang 1972) in München unterwegs, um sich ein Bild von bestimmten Dingen zu machen. Für die DVD „Willi wills wissen – Signal frei für die U2 / Ich versteh’ nur Bahnhof!“ wurden zwei thematisch passende Folgen zusammengefasst. Jede der Folgen ist fünfundzwanzig Minuten lang und über ein einfaches Menü zu erreichen. Der Ton liegt in Dolby Digital 2.0 vor und das Bild hat TV-Format. Kein Wunder, immerhin handelt es sich bei der Reihe „Willi wills wissen“ um eine TV-Serie des Bayerischen Rundfunks.

In der ersten Episode spürt Helmar Rudolf Willi Weitzel – stets kameradschaftlich Willi genannt – den Geheimnissen der U-Bahn nach. Er sieht sich auf dem Bahnhof um, schaut wie eine U-Bahn gebaut wird und darf schlussendlich sogar selber fahren.

Danach geht es in der zweiten Episode wieder nach oben, zu einem oberirdischen Bahnhof. Auch hier geht Willi allen Sachen auf den Grund. Er sieht sich ein Stellwerk an, nimmt den Bahnhof unter die Lupe, bekommt heraus wo Fundstücke landen und viele Sachen mehr.

Die größte Stärke der Reihe ist dabei, dass Willi als Berufskind zählt. Er stellt die Fragen aus Sicht seines jungen Publikums, hakt nach und wickelt die Gesprächspartner mit seinem Grinsen und Lachen um den kleinen Finger. Die Leute mit denen Willi umgeht sind keine Schauspieler, sondern echte Menschen, die aus dem jeweiligen Umfeld stammen. Gekonnt nimmt ihnen der Reporter die Scheu vor der Kamera, so dass die Antworten auf die Fragen authentisch transportiert werden. Dabei wird sorgsam darauf geachtet, dass jeder versteht wovon gesprochen wird.

Neben den neugierigen Fragen von Willi Weitzel, setzt er auch seine andere Stärke ein: Willi packt immer selber mit an. Das ist spannend und lustig. So macht Willi im Zug eine humorvolle Durchsage oder bricht beim Bau der U-Bahn – am Steuer eines Bohrfahrzeugs – selbst durch die letzten Zentimeter Gestein.

Auch „Willi wills wissen – Signal frei für die U2 / Ich versteh’ nur Bahnhof!“ ist eine kurzweilige und erfrischende Unterhaltung. Obwohl für Kinder produziert, können auch Eltern noch einiges lernen. „Die Sendung mit der Maus“, „Löwenzahn“ und „Willi wills wissen“, das sind Sendungen die Kindern bilden und formen. Weiter so, Willi!

Copyright © 2010 by Günther Lietz

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Marie Brand DVD 2: Marie Brand und die Nacht der Vergeltung / Marie Brand und das mörderische Vergessen

Marie Brand und die Nacht der Vergeltung: Als Babyartikel-Hersteller Seibt samt Ehefrau und Geliebter tot aufgefunden wird, glaubt man, dass Frau Seibt nach der Tat Selbstmord begangen hat. Einzig Marie Brand, Kommissarin der Kölner Mordkommission, ist davon überzeugt, dass der Schein trügt. War Carola Seibt bereits tot, als ihr Mann und seine Geliebte erschossen wurden? “Marie Brand und das mörderische Vergessen”In der Kölner Uniklinik wird der Neuropathologe Dr. Jens Bergengrün von seiner Sekretärin Nicola May tot aufgefunden. Zunächst weisen keine Anzeichen auf einen Mord hin, doch Kommissarin Marie Brand findet schnell das Gegenteil heraus. Als Täterin kommt May in Frage, Kommissar Jürgen Simmel ist aber von deren Unschuld überzeugt. Marie zweifelt jedoch an Simmels Objektivität, der offenbar eine emotionale Beziehung zur Tatverdächtigen aufgebaut hat¿

Ein Sommer in New York – The Visitor

Al Ashton, Nick Love

The Firm – 3. Halbzeit

Bex ist ein richtig cooler Typ. Werktags gibt er den Immobilien-Makler im Anzug, aber am Wochenende ist Krieg. Da herrscht Bex als Chef der Inter City Firm von West Ham United über seine Hooligan-Truppe. Jede Woche ein neues Spiel, jede Woche ein neuer Fight, am liebsten gegen den Erzrivalen Millwall. Als Dom sich in der Disco mit Bex anlegt, weiß er nicht, dass er sich für seinen Übermut den ganz Falschen ausgesucht hat. Doch Bex findet Gefallen an dem renitenten 17jährigen und rekrutiert ihn für seine Truppe. Der Wochenend-Schläger wird schnell zum Idol für Dom. Dann werden die Kämpfe härter und die Waffen tödlicher …

Der Landarzt – Staffel 10

Switch – The Best of (Vol.2)

Switch – The Best of (Vol.1)

Vinyan

Originaltitel: Vinyan (Belgien/Frankreich/GB/Australien 2008)
Regie: Fabrice Du Welz
Drehbuch: Oliver Blackburn, Fabrice Du Welz, David Greig
Kamera: Benoît Debie
Schnitt: Colin Monie
Musik: François-Eudes Chanfrault
Darsteller: Emmanuelle Béart (Jeanne Bellmer), Rufus Sewell (Paul Bellmer), Petch Osathanugrah (Thaksin Gao), Julie Dreyfus (Kim), Amporn Pankratok (Sonchaï), Josse De Pauw (Matthias), Joey Boy (Boomsong), Teerawat Mulwilai (Khun), Saichia Wongwirote (Petch), Borhan du Welz (Joshua) uva.
Label/Vertrieb: Koch Media Home Entertainment
Erscheinungsdatum: 16.10.2009 (Kauf-DVD u. Blu-ray)
EAN: 4020628971694 (Kauf-DVD) bzw. 4020628958015 (Kauf-Blu-ray)
Bildformat: 16 : 9 (2,35 : 1, anamorph)
Audio: DTS 5.1 (Deutsch) u. Dolby Digital 5.1 (Deutsch, Englisch)
Untertitel: Deutsch
DVD-Typ: 1 x DVD-9 (Regionalcode: 2)
Länge: 92 min. (Blu-ray: 96 min.)
FSK: 16

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Das geschieht:

Die Gutmenschen Jeanne und Paul Bellmer engagieren sich in Thailand für die Errichtung von Waisenhäusern. Der große Tsunami von 2005 hat auch sie getroffen; die Flutwelle erfasste den kleinen Sohn Joshua, der seitdem verschollen ist. Während der trauernde Vater sich sechs Monate später allmählich mit der Tatsache abzufinden beginnt, dass Joshua tot ist, kann Jeanne nicht loslassen. In Träumen und Visionen erscheint ihr der Sohn, und Paul denkt laut über einen Besuch beim Psychiater nach, was der ohnehin bröckelnden Beziehung keineswegs guttut.

Als Jeanne eines Tages auf einem Video, das verlassene Kinder in einem Dorf tief im Dschungel von Burma zeigt, Joshua zu erkennen glaubt, bricht ihre mühsam gewahrte Fassade zusammen. Sie will in die Wildnis reisen, um ihren Sohn zu suchen. Doch Burma ist eine Militärdiktatur und eine offizielle Einreise unmöglich. Jeanne und der widerwillig seiner Gattin folgende Paul wenden sich an den berüchtigten Schmuggler und Sklavenhändler Gao, der regelmäßig die Küstendörfer Burmas aufsucht, um Mädchen und junge Frauen zu kaufen. Viel Geld wechselt den Besitzer, bevor sich die Bellmers in Gaos Begleitung auf den Weg machen.

Der misstrauische Paul hält Gao nicht grundlos für einen Betrüger, der seine Auftraggeber nur ausnehmen will. Als sich dies bestätigt, fordert er die Rückkehr, doch Jeanne übergibt Gao heimlich ihr gesamtes Geld: Er soll sie tiefer nach Burma führen. Heftiger Streit bricht aus, als Paul dies entdeckt. Die kleine Expedition steckt ohnehin in Schwierigkeiten: Gao setzt sich ab, und die Bellmers stoßen auf eine Gruppe verwilderter Kinder, die den Erwachsenen zunehmend feindselig begegnen. Ohne sich abschrecken zu lassen, dringt Jeanne mit Paul im Schlepptau immer tiefer in den Urwald vor. Realität mischt sich mit Rätselhaftem und Wahn, bis sich tief im Herzen der Finsternis Joshuas Schicksal und das seiner Eltern erfüllt …

Genre-Geschichte mit Anspruch

Es beginnt als Drama, entwickelt sich zum Abenteuer und mündet in blankem Horror: „Vinyan“ ist offensichtlich das Projekt eines sehr ehrgeizigen Filmemachers. Mehrere Jahre hat der belgische Regisseur Fabrice Du Welz an seiner Geschichte gearbeitet und gefeilt, sich um die komplizierte Finanzierung – Produzenten sind vorsichtig und ziehen es vor, ihr Geld in simple Geschichten zu investieren, die Profit versprechen – gekümmert sowie mit Emmanuelle Béart und Rufus Sewell zwei Schauspieler ins Boot gelockt, die normalerweise höhere Gagen verlangen können und sich dafür weniger anstrengen müssen.

Diesen Enthusiasmus bereuten sie in den langen Wochen der Dreharbeiten oft bitterlich, wie das ausgezeichnete Making-of (s. u.) belegt. Du Welz ist nicht nur Regisseur und Drehbuchautor, sondern auch ein Abenteurer, der wie John Huston oder Werner Herzog zwischenmenschliche Konflikte gern in möglichst unwirtlichen Kulissen entfesselt: Die ungebändigte Natur soll nicht nur diese Auseinandersetzung widerspiegeln, sondern sie auch dort verstärken, wo das Regelwerk der Zivilisation keine Gültigkeit besitzt und die Protagonisten in einem Mikrokosmos gefangen sind, der durch ihren Status als Ausländer – sie beherrschen die thailändische Sprache nicht – komplettiert wird. Blicke und Gesten und selbst ein Lachen wirken bedrohlich, wenn man sie nicht entschlüsseln kann.

Für seine Version einer Reise durch seelische Abgründe wählte Du Welz Thailand. Auch dort gibt es längst moderne Großstädte, und selbst in der scheinbaren Wildnis steht der Handy-Empfang. Doch diese Seite Thailands interessierte Du Welz nicht. Selbst die Szenen, die in Bangkok spielen, stellen die Schattenseiten der Metropole in den Mittelpunkt: dreckige Hinterhöfe, schummerige Bordelle, triefende Gassen.

Die Macht der Natur

Hitze und Feuchtigkeit sorgen dafür, dass Thailand sich zu einer Brutstätte für das Seltsame und Gefährliche entwickelt. Den Dschungel, der im Making-of so grün und sonnig wirkt, wie er realiter meist ist, verwandelt Du Welz in eine graue, schlammige, modrige, monsunregengepeitschte und letztlich paradox lebensfeindliche Umgebung, die er faktisch nicht ist, weshalb das Filmteam kräftig mit Kamerafiltern und künstlichen Nebelschwaden nachhelfen musste.

Was Du Welz dabei im Hinterkopf wälzte, spricht er im Making-of aus: „Vinyan“ spielt in der Welt des Filmklassikers „Apokalypse Now“ (1979). Dieser entstand vor allem nach dem Literatur-Klassiker „Heart of Darkness“ (1899; dt. „Herz der Finsternis“), in dem Joseph Conrad (1857-1924) den ‚zivilisierten‘ Menschen in die Wildnis (ent-) führte und in der Begegnung mit dem nackten, ursprünglichen Grauen Stück für Stück seiner Menschlichkeit entkleidete. Du Welz kombinierte diese allegorische Geschichte mit einem weiteren, thematisch ähnlichen Klassiker: In „Lord of the Flies“, (1954, dt. „Herr der Fliegen“) schilderte William Golding (1911-1993) die Entwicklung – oder Degeneration – einer in der Wildnis isolierten Kindergruppe zu einer eigenen Gesellschaft mit barbarisch anmutendem Verhaltenskodex.

Da „Vinyan“ im südostasiatischen Raum spielt, fühlt sich Du Welz verpflichtet und berechtigt, die naturmythisch geprägten Religionsströmungen dieser Region in seine Geschichte einfließen zu lassen. Der „Vinyan“, der dem Film seinen Titel gibt, ist demnach der Geist eines Menschen, der gewaltsam ums Leben kam und daraufhin bösartig wurde. Wer diese Deutung kennt – und Du Welz lässt sie ausgerechnet den moralfreien Gao erzählen –, weiß im Grunde, wie die Geschichte ausgehen wird.

Im Rausch der Bilder

Eine stringente oder logische Handlung ist nicht Du Welzes Anliegen. Nur die Einleitung ist ‚realistisch‘, bevor das menschliche Unterbewusstsein die Herrschaft übernimmt. Nunmehr gilt es für den Zuschauer zu deuten, denn was er sieht, entspricht nicht unbedingt der Wirklichkeit. Andeutungen werden gemacht, Symbole ausgestreut. Die Handlung wird zusehends kontextreicher. Bilder und Töne fließen zu einem interpretationswüstem Gemenge zusammen.

Freilich bleibt diese Vielschichtigkeit vor allem Behauptung. Wieder einmal fordert der Künstler – Du Welz – vom Zuschauer, sich bedingungslos auf das Geschehen einzulassen und sich vom Bildersturm davontragen zu lassen. Das gelingt ihm mit den Apologeten des ‚guten‘ Films sowie denen, die „Vinyan“ im Halbschlaf (oder Vollsuff) über sich ergehen lassen. Tatsächlich ist der Plot sehr simpel, und wer ihn im Hinterkopf behält, während Du Welz mächtig an der Seelen-Schraube dreht, wird wie gesagt schwerlich von dem überrascht sein, was sich im Dschungel von Burma abspielt.

Der ketzerische Realist kann sogar geltend machen, dass „Vinyan“ ein reichlich verblasenes Garn spinnt. Muss der Zusammenbruch einer Beziehung unbedingt in archaischer Urwelt zelebriert werden? Sind die Bilder und psychedelischen Klänge, die Du Welz dafür findet, so irritierend und suggestiv, wie er sich dies vorstellt? Hat man nicht schon viel zu oft Großstadtmenschen im Bann des Irrationalen durch Schlamm und Dauerregen taumeln sehen? Gleichen eine schon in der DVD-Version erstaunliche Bildqualität sowie eine suggestive Ton- und Musikuntermalung dies aus?

Film als Herausforderung und Abenteuer

Diese und ähnliche Fragen lassen sich durchaus bejahen. Mit fortschreitender Handlung ertappt sich sogar der kunstbeflissene Zuschauer dabei, dass er eher die Leidensfähigkeit der Schauspieler bewundert als dem Geschehen folgt. Sie kämpfen sich durch dampfend heißen Dreck und schwitzen sich die Seelen aus den Leibern. Was sie dabei erleben, ist in der Regel wenig spektakulär. In der Tat sagt es viel aus, dass die wenigen Momente echter Spannung einschlägigen Genre-Effekten geschuldet sind, die Du Welz keineswegs verschmäht. Also wird hin und wieder knochenknackend geprügelt und gesteinigt, und im Finale fliegen Eingeweide durch die Luft. (Da „Vinyan“ ein „Arthouse“-Film ist, wurde er hierzulande dennoch ab 16 Jahren freigegeben.)

Für Emmanuelle Béart und Rufus Sewell wurde die Arbeit am Set zur persönlichen Reise in die Finsternis. Unter der enormen Belastung, die das für den Mitteleuropäer mörderisches Tropenklima, die Abgeschiedenheit der Drehorte, das knappe Budget und die daraus resultierende Zeitnot darstellten, leisteten die beiden Hauptdarsteller schier Übermenschliches: Sie sind jederzeit nicht nur körperlich präsent, rennen, klettern, schwimmen, sondern bieten gleichzeitig Schauspielkunst in hoher Vollendung. Das aufeinander eingespielte Ehepaar in der Krise stellen sie nicht dar, sie verkörpern es in jeder Filmsekunde. Béart überzeugt sogar in der sonst schnell lächerlich wirkenden Rolle des ungebremst rasenden Muttertiers.

Unterstützt werden sie von im europäischen Kulturraum unbekannten Künstlern wie Petch Osathanugrah oder Joey Boy. In Asien sind sie die Prominenten, und sie halten mit Béart und Sewell jederzeit mit. Vor allem Osathanugrah ist als Gao in der einen Sekunde nachdenklich und offenherzig, um in der nächsten als brutaler Krimineller und bedrohlicher Fremder für Schrecken zu sorgen.

DVD-Features

Die Extras beschränken sich auf zwei Trailer zum Hauptfilm und ein vorbildliches, mit 50 Minuten Dauer informationsreiches „Making of“. Statt die vor und hinter der Kamera Beteiligten in einen Stuhl zu setzen und sie im ‚Interview‘ plump verkappte Zusatzwerbung für den Film betreiben zu lassen, gibt es echte und aktuelle Blicke hinter die Kulissen. Fast 40 Tage dauerten die Dreharbeiten. Sie wurden mit eigener Kamera dokumentarisch verfolgt. Das „Making of“ markiert die Höhepunkte dieser Zeit, wobei damit keineswegs nur die angenehmen und positiven Seiten der Produktion vorgestellt werden. „Vinyan“ ist das Ergebnis höchsten physischen und psychischen Einsatzes. Crew und Schauspieler mussten eine Einheit bilden, um dem gewachsen zu sein. Als unbeteiligter Zuschauer kann man nur staunen, wie weit sie dabei zu gehen bereit waren. So sieht man eine zum Zeitpunkt der Dreharbeiten 45-jährige Emmanuelle Béart, die in brütender Hitze mit beidseitiger Ohrenentzündung einen steilen, glitschigen Dschungelhang über Stock und Stein hinunter rennt – immer und immer wieder, solange es der Regisseur wünscht und bis sie nur noch taumeln kann.

Denn Fabrice Du Welz ist ebenso Visionär wie Filmbesessener. Er schont seine Crew und die Schauspieler ebenso wenig wie sich selbst. Vor seinem geistigen Auge läuft der Film, wie er ihn drehen will. In der Umsetzung macht er keine Kompromisse. Noch im ungezieferverseuchtesten Urwaldloch sucht er hellwach und ungeduldig nach den schönsten Motiven und besten Aufnahmewinkeln. Wolkenbrüche und apokalyptische Gewitter registriert er entweder als dramatische Bereicherung, in die er seine Mitstreiter hinausjagt – die dabei Risiken eingehen, die der Versicherung im fernen Europa nachträglich Entsetzensschreie entlocken dürften – oder als Hindernisse, die den Drehplan durcheinanderbringen. Dazu zählt er auch die müde Bockigkeit seines Sohnes Borhan, der aufzumucken wagt, als er schon spät in der Nacht in der Rolle des Joshua immer wieder durch eine Gasse von Bangkok gehen soll, weil er nach Ansicht des Regisseurs nicht wie ein Phantom, sondern „wie eine Ente“ laufe.

Deutlich wird aber auch Du Welzes Fähigkeit, sein Team mitzureißen. Sein unermüdliches Pochen auf Drehbuch und Storyboard halten sie bei der Stange, wenn sie eigentlich erschöpft nur irgendwie ihren Job hinter sich bringen wollen. Du Welz fordert trotz Minimal-Budget das Optimale – und er bekommt es. Dass das Ergebnis nicht zwangsläufig mitreißt und sich die „Vinyan“-Stimmung nicht auf jeden Zuschauer überträgt, liegt nicht am mangelhaften Einsatz, sondern daran, dass Du Welz einen Film-Weg einschlägt, der so selten doch nicht und manchmal eben origineller beschritten wurde.

[md]

Titel bei Libri.de (DVD)
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The A-Team (USA 2010)
Länge: 117 Minuten
Altersfreigabe: FSK 12

Regie: Joe Carnahan
Drehbuch: Joe Carnahan, Brian Bloom, Skip Woods
Produktion: Stephen J. Cannell, Jules Daly, Tony Scott, Spike Seldin, Iain Smith, Alex Young
Musik: Alan Silvestri
Kamera: Mauro Fiore
Schnitt: Roger Barton, Jim May

Besetzung: Liam Neeson (John „Hannibal“ Smith), Bradley Cooper (Templeton „Faceman“ Peck), Quinton Jackson (B. A. Baracus), Sharlto Copley (H. M. „Howling Mad“ Murdock), Jessica Biel (Charisa Sosa), Brian Bloom (Brock Pike), Gerald McRaney (General Morrison), Patrick Wilson (Lynch), Yul Vazquez (General Javier Tuco)

Fans haben viele Jahre warten müssen, bis dem A-Team endlich ein großer Kinofilm gegönnt wurde. Das A-Team ist endlich dort, wo es es hingehört – und es gibt keinen Plan B …

In der Wüste Mexikos geht es heiß her – wortwörtlich. So heiß, dass daraus eine Kameradschaft geformt wird, die auch noch acht Jahre später im Irak Bestand hat. John „Hannibal“ Smith und seine Leute bilden das A-Team, eine Spezialeinheit die nur Erfolge kennt. Zu Hannibals Team gehören Templeton „Faceman“ Peck, B. A. Baracus und H. M. „Howling Mad“ Murdock.

Hannibal plant eine neue Mission. Das Team soll gestohlene Dollar-Druckplatten und eine Milliarde Falschgeld zurückholen. Mit dem richtigen Plan kein Problem, doch trotzdem geht etwas schief und das A-Team steht vor dem Militärgericht. Niemand glaubt ihnen, dass sie hereingelegt wurden und Hannibal verspricht seinen Leuten, dass er ihren Ruf reinwaschen und den wahren Schuldigen zur Strecke bringen wird …

Das fasst die Handlung knapp zusammen und folgt somit der guten alten Serientradition: Die Handlung ist egal, Hauptsache es kracht! Und genau das bekommt der Zuschauer auch geboten.

„Das A-Team“ ist eine TV-Legende, die von 1983 bis 1987 produziert und vermarktet wurde. Es war eine der üblichen Actionserien der 80er Jahre, die im Vorabendprogramm ausgestrahlt wurde. Für die ARD damals ein wenig zu brutal, sendete erst RTL in der 90er Jahren sämtliche Episoden. 2010 folgt nun endlich der Blockbuster aus Hollywood.

Regie führt dabei Joe Carnahan, der den Film verspielt und modern inszenierte, sich gar einen Cameoauftritt gönnte. Carnahan verzichtet auf den Versuch eine Fortsetzung zu stricken oder die Geschichte gar in die 80er Jahre zu verlegen. Nein! Joe Carnahan erzählt die Vorgeschichte und verlegt sie in die Gegenwart. Somit vermeidet er einen peinlichen Nostalgietrip und kann sich auf das Wesentliche konzentrieren: Action, Spaß und Ehrerbietung mit einem dicken Augenzwinkern. Die Vorgeschichte selbst spielte in der Serie übrigens keine wichtige Rolle. Sie wurde schnell zusammengeschustert, um irgendwie eine Erklärung für die Zusammensetzung und die Motivation des Teams zu bieten. Dadurch, dass Carnahan genau hier seinen Film spielen lässt, vermeidet er einen allzu großen Handlungskonflikte mit der Serie. Und er vermeidet einen klaren Vergleich mit den alten und den neuen Darstellern.

Das ist sehr klug von ihm, denn sobald jemand versucht eine alte Serie nur zu kopieren und ein wenig modern anzustreichen, muss er unweigerlich scheitern. Carnahan folgt lieber J. J. Abrams Beispiel. Dieser schuf mit „Star Trek“ (2009) eine neue Zeitlinie und stellte damit sicher, dass seine Figuren zwar alte Wesenszüge zeigen, sich aber die neuen Darsteller trotzdem mit ihrer Persönlichkeit einbringen konnten. Eine Kopie (wie in „Mit Schirm, Charme und Melone“ 1998) wäre gescheitert.

Carnahan geht mit seiner Vorgeschichte ähnlich wie Abrams vor. Sein Helden-Quartett muss zu keinem Zeitpunkt den alten TV-Heroen entsprechen. Die Helden des neuen Films werden noch zu den Heroen geformt, die sie später sein werden. Für die Schauspieler ein fruchtbares Feld, denn so können sie bestimmte Eigenheiten der Vorlage ausspielen, aber dennoch ihren eigenen Charakter behalten. Mit Liam Neeson, Bradley Cooper, Quinton Jackson und Sharlto Copley hat Carnahan auch dankbare Schauspieler, die diese Möglichkeit auch weidlich ausnutzen.

Keiner der vier Männer versucht eine billige Kopie des Originals zu sein. Aber jeder von ihnen hat die Vorlage gut studiert und sich grundlegende Eigenschaften angeeignet, die für einen entsprechenden Wiedererkennungswert sorgen. Erst einmal wäre natürlich das recht typische Grundverhalten des A-Teams. Der planende und stets lässige Hannibal, der grinsende Frauenschwarm Faceman, der aufrichtige Stadtkrieger B. A. und natürlich der verrückte Howling Mad. Als Verneigung vor dem Original und zur Vermeidung eines billigen Plagiats, sind sämtliche Figuren überzeichnet. Aber das ist in Ordnung, denn bevor sie später zu den altruistischen Rittern eines Testosteronmärchens werden und in bester Robin Hood Manier den kleinen Mann retten, wird noch einiges Geschehen und diese Männer formen. Einen Teil dieses Prozesses erlebt der Zuschauer im Film mit.

Sämtliche Hauptdarsteller sind hervorragend besetzt. Liam Neeson ist prädestiniert als Mentor seiner Jungs, Bradley Cooper spielte bereits in „Hangover“ den charmanten Schönling, Quinton Jackson ist so trocken und untalentiert wie Mr. T und „District 9“-Star Sharlto Copley ist herrlich erfrischend verrückt. Es macht einfach Spaß den Kerlen zuzusehen.

Bei solch starken Helden, braucht es natürlich auch einen fiesen Bösewicht. Und der kommt in Gestalt des CIA-Agenten Lynch daher, gespielt von Patrick Wilson. Die Rolle ist ebenfalls überzeichnet, aber in sich schlüssig. Und genau diese Überzeichnung ist es auch, die das A-Team später als Waffe gegen Lynch einzusetzen versucht. Das ist gut gemacht und gibt der Rolle den Anstrich der Nachvollziehbarkeit.

In einer Geschichte von Männern, über Männer und für Männer gibt es natürlich auch etwas fürs männliche Auge. Dafür ist Jessica Biel als Charissa Sosa zuständig. Sosa ist nett anzusehen, adrett und hatte mal eine Affäre mit Faceman. Biels Rolle ist stark reduziert, zu keinem Zeitpunkt dominiert sie die Handlung oder stört gar das Spiel der Kerle. Und das ist ihr wohl bewusst, denn ganz im Stil der Vorlage hat Frau keinen Stich zu machen. Sie sieht toll aus und sie braucht die Hilfe starker Männer. Das weiß Biel. Und so holt sie aus ihrer Rolle gekonnt heraus, was sie kann. Damit bildet sie eine nette Dreingabe zum A-Team.

„Das A-Team – der Film“ ist eine der letzten Männergeschichten, in denen Muskeln und Feuerkraft über Scharfsinn und soziale Netzwerke siegen. Klassisch, einfach und ohne Schnörkel. Das ist keinesfalls ganz zeitgemäß, aber im Sinne der alten Garde. Logik oder tiefsinnige Gedanken gehören an andere Stelle, das A-Team will nur Sachen zerlegen – und das gelingt großartig.

Die Actionszenen entbehren natürlich jeglicher Grundlage und sind weitgehend an den Haaren herbeigezogen. Geschenkt, denn die Action kommt stets betont lässig daher und funktioniert – wie der Film – nur für den gegenwärtigen Augenblick. Das bedeutet rasante Verfolgungsjagden, wildes Ballern, fliegende Panzer und zünftige Schlägereien. Das alles wird ordentlich mit der Spielfreude der Darsteller gemischt, die grinsend im Film agieren und ihren Spaß haben. „Das A-Team – der Film“ ist einer der letzten Abenteuerspielplätze für Männer!

Für deutsche Zuschauer ist natürlich sehr faszinierend, dass der Film einige Zeit in Deutschland spielt und sogar Bundeskanzlerin Angela Merkel mal auftaucht. Joe Carnahan und sein Stab beweisen gleichzeitig, dass sie keine Ahnung von Deutschland haben. So spielen Szenen in Frankfurt am Main, aber die Autos haben manchmal die Nummernschilder von Frankfurt an der Oder. Egal, denn auf den Autos prangt ja auch der Notruf 109 statt 110 – und der Kölner Dom wird plötzlich zum Frankfurter Hauptbahnhof. Wirklich Fehler und Schlampigkeit der Produktion oder vielleicht nur eine Hommage an die Fehlerquote der alten Serie? Denn dort war auch vieles an den Haaren herbeigezogen und wurde auch schon mal falsch wiedergegeben. Selbst wenn Carnahan schlampte, so gehört es trotzdem zum wunderbaren Charme des Films.

Ebenfalls verwunderlich ist die deutsche Synchronisation. An sich recht gut und mit deftigen Schimpfworten, lässt sie leider einen schönen Gag untergehen. Und zwar als Murdock nach dem Weg nach Berlin fragt. In der Synchronisation wird daraus leider die Frage nach dem Weg nach Frankfurt. Eventuell ist das falsche politische Korrektheit.

Eine der ganz großen Stärken des Films sind die liebevollen Verweise auf die Originalserie und deren Darsteller. So schauen sich die Patienten einer Anstalt einen „A-Team“-Film an, taucht öfter der Name Schultz auf (Dwight Schultz spielte den Murdock in der Serie), ist die Tätowierung auf den Fäusten des neuen B. A. ein Verweis auf einen Spruch des alten B. A. und vieles mehr. Einem Kenner der alten Serie geht da einfach das Herz auf.

„Das A-Team – der Film“ ist Popcorn-Kino mit hohem Unterhaltungsfaktor. Spielfreudige Darsteller, ein gelungener Soundtrack, pure Männeraction, durchgedrehte Szenen – einfach ein großer Spaß!

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